Arquitectura:
Brunelleschi
Filippo
Obras más importantes:
cúpula de la catedral de Florencia o
santa maría de las flores:
Es una obra muy famosa tanto en el ámbito artístico como en el ámbito
arquitectónico ya que Filippo utiliza el humanismo en la obra y la adapta al
marco arquitectónico.
Esta enorme cúpula no solo destaca y asombra
sobre el conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en todo
la ciudad de Florencia es una obra muy hermosa y considerada perfecta.
La catedral de Florencia tiene un estilo gótico fue creada por arnolfo
di cambio pero esta se encontraba sin concluir y en especia la parte de la
bóveda, por la altura del edificio la cúpula no podía ser esférica por posibles
problemas a lo que el arquitecto brunelleschi
hiso una cúpula en forma de curva parabólica que en realidad esta
formada por dos una inferior y otra exterior.
La distancia entre ambas cúpulas se mantiene
siempre constante por el casquete alargado que existe recuerda al gótico está construida en un
tambor poligonal que esta decorado con mármoles
en ambos lados se abren ventadas circulares dando
el efecto y terminación de la obra con un entono de humanismo en el que
el ser humano es primero a todo lo que existe.
Basílica de san Lorenzo de Florencia:
Esta fue inspirada en las iglesias
paleocristianas que brunelleschi estudio cuando era joven este era un templo
que tenia como planta la cruz latina de tres naves planteada en un esquema con la nave central mas alta y ancha, en el
interior la nave central tiene una cubierta muy especial que es adintelada con
casetones y las laterales bóveda de arista. La separación de las naves se
establece mediante columnas de orden compuesto y sobre ellas entablamento en el que descarga
cada arco de medio punto.
En esta
basílica se aplicaron técnicas en
las que se volvió la estructura muy
firme y estable con el propósito de perdurar este tipo
de estructuras.
En el crucero dispuso de cúpula como aboderamiento
en esta iglesia brunelleschi busca dos aspectos muy importantes:
horizontalidad: se emplean elementos arquitectónicos que fuerzan la sensación
de horizontalidad como los entablamentos, la cubierta plana de la nave central.
Armonía: busca la armonía empleando criterios
geométricos por ejemplo establece formas cubicas ya que altura de las columnas
es idéntica a la distancia entre columnas contiguas y entre estas y los muros
de las naves laterales.
En esta obra en arte fue esencial para el detalle de la obra ya que sin el
arte solo serian paredes por tal motivo en esta obra hay la perfecta simulación
entre arquitectura y arte.
Palacio pitti:
La importancia del palacio pitti de Filippo
brunelleschi es que en el autor establece el modelo renacentista de palacio que
fue ampliamente seguido por sus discípulos.
El aspecto
externo es casi de una fortaleza
tiene planta en cuadrilátero en que las dependencias se construyen en
torno a un patio muestra una tendencia a la horizontalidad mediante una
superposición de tres pisos o cuerpos.
El muro esta muy articulado mediante balaustradas se emplean para los muros sillares almohadillas
que va siendo mas plano a medida que se gana altura los vano con arco de medio
punto constituidos por bóvedas
almohadilladas las ventanas llevan frontón
Capilla pazzi
La capilla pazzi es una obra de plena
concepción renacentista es de planta
cuadrada cubierta con cúpula donde se da la interacción del espacio cuadrado
con cubierta circular, la fachada se articula mediante un pórtico con columnas
por el que se acede a la construcción que combina el arco central con
superficies adinteladas en esta
superficie hay un entablamento que rompe en el centro en arco de medio punto .
En toda la obra de la capilla pazzi se puede
mostrar y observar una búsqueda de la
argonia por el autor en el ámbito de la
monumentalidad
Santa maría presso san sátiro
La iglesia se encuentra en el sitio de un
lugar de culto primitivo construido por el arzobispo anspertus en el 879 este
fue dedicado a san sátiro confesor y hermano de los santos Ambrosio y
Marcelina la iglesia actual fue
construida en su lugar desde 1472 hasta el año de 1482 por encargo del duque galeazzo maría sfoorza según algunas
fuentes el diseñador fue bramante quien se había mudado recientemente de la
marche.
El edificio cuenta con una nave central y dos
laterales con bóveda de cañón la nave central esta coronada por una cúpula semispherical
en el cruce con el crucero. El coro que tuvo
que ser truncada debido a la presencia de una calle principal, fue sustituido
por bramante con una perspectiva pintado realizando de esta manera uno de los
primeros ejemplos de trombe l´oeil en la historia del arte.
Esta iglesia fue construida y decorada con las
ideas del renacimiento que llegaba en esa época, originalmente el interior estaba decorado con pintura
blanca y oro las paredes tenían frescos de borgognone ahora trasladado a la
pinacoteca de brera. El antiguo sacellum de san sátiro también estaba cubierto
con cotto decoración y enriquecido con
una terracota representando el Cristo muerto por agustino de fondulis también por el mismo artista varios bustos de tarracota en la sacristía que está en el plan central inspirada en
la capilla portinari de sant´eustorgio oa la capilla colleoni la iglesia
contiene un retablo del éxtasis se san
Felipe neri de Giuseppe peroni.
El campanario es todavía la del románico
edificio anterior a la reconstrucción década de 1480 también desde el siglo 15
en el baptisterio anexo a la iglesia.
Iglesia de santa María della grazie
En 1463 el duque de Milán francisco sforza
ordeno la construcción de un convento dominico y una iglesia en el lugar donde
se encontraba una pequeña capilla dedicada a santa María de las gracias, bajo la dirección del arquitecto guiniforte
Solari el convento fue terminado en 1469
y la iglesia en 1482 posteriormente Ludovico sforza dedico a modificar el claustro y el ábside de la iglesia las
obras terminaron en 1490 en 1497. El tiburio ( cúpula de base poligonal con techo en forma de pirámide usada en el renacimiento en lombardia) ha sido atribuido a bramante aunque no existen pruebas de ello salvo el hecho de que bramante era en la época
ingeniero ducal y su nombre aparece en vez en las actas de la iglesia. En la
recepción de una partida de mármol en 1494 hoy en día la obra se atribuye a Giovanni Antonio Amadeo en todo caso esta cúpula continuo en parte el
estilo gótico de la primera parte del edificio pero con influencias románicas la ligeramente excesiva
altura de la misma ha recibido muchas críticas.
En el interior de la iglesia en la parte más
antigua de estilo gótico destacan en una capilla de la derecha los bellísimos
frescos con la historia de la pasión de
gaudenzio Ferrari en las misma capilla
estuvo la coronación de espinas de Tiziano.
Andrea palladio
Villa godi
Es una villa del siglo XVI relacionada con el
arquitecto Andrea palladio se encuentra
en la localidad de lonedo en el municipio italiano de lugo di Vicenza junto con
otras villas palladianas del véneto, es
uno de los primeros proyecto sde palladio la obra fue encargada por los
hermanos girolamo pietro y marcantonio godi se comenzó en 1537 y se acabo en
1542 con modificaciones posteriores de
la entrada trasera y los jardines.
Con toda probabilidad so se trato de un
encargo autónomo sino más bien de una obra obtenida en el taller de gerolamo
pittoni y Giacomo da poriezza en el cual
el joven Andrea tenía el papel de especialista de arquitectura en realidad las labores de reforma de la
propiedad de la familia comenzaron ya en 1533 por voluntad del padre Enrico
Antonio godi con la construcción de una barchessa dórica en el patio de la
izquierda.
Villa
godi marca la etapa inicial del intento de construir una etapa tipología
de casa de campo en la que es evidente la voluntad de entretejer temas
derivados de la tradición constructiva local con los nuevos conocimientos que
palladio estaba adquiriendo poco a poco gracias a la ayuda de giangiorgio
trissino.
La villa y los amplios jardines están abiertos
al público por la tarde a lo largo de todo el año el edificio también alberga
un museo de arqueología en el sótano con cientos de fósiles de plantas y
animales de la región su gran parque fue planeado en el siglo XIX.
Los frescos en el interior fue decorado con frescos de gualtiero padovano y más tarde
por Giovanni battista zelotti y battista del moro en cuya sala se ven
cariátides dentro de una composición de musas y poetas en paisajes arcaicos ruinas de un
templo griego forman también el telón de fondo para la representación de los dioses olímpicos esto se ve seguido
por símbolos de paz y justicia un tema
común en las villas venecianas.
Villa chiericati
Llamada también villa chiericati- rigo es una
villa del siglo XVI que es del arquitecto Andrea palladio se encuentra en
vancimuglio localidad del municipio italiano de grumolo delle abbadesse.
El comitente de la villa fue Giovanni
chiericati hermano de girolamo para el cual en los mismos años palladio realizo
el palacio en la isola de Vicenza con gran probabilidad el proyecto para la
villa es contemporánea del palacio chiericati y por tanto debe remontarse a los
primeros años cincuenta en 1557 un año antes de la muerte del comitente la
villa estaba incompleta en su mayor parte tanto que en el año 1564 estaba
cubierta pero todavía le faltaban los áticos y las ventanas y no estaba todavía
habitada.
La villa no se acabo hasta después de que la
adquiriese Ludovico porto en 1574 en 1584 para completar la villa contrato al arquitecto
domenico groppino quien había colaborado con palladio.
La villa es de planta cuadrada un pórtico se
proyecta a partir de su fachada
principal la villa chiericati en vancimuglio señala una etapa fundamental en la evolución del lenguaje palladiano porque es la primera vez que el
pronaos de un templo se incorpora al
diseño de una villa las habitaciones
principales están construidas
sobre un piano nobile encima del semisótano. El piso superior es de mucha menor
importancia.
Villa cornaro:
es una villa del siglo XVIhecha por el arquitecto Andrea palladio se encuentra en el municipio
italiano de biombito dese alrededor de 30 kilómetros de Venecia fue diseñada
por el arquitecto italiano Andrea palladio.
El destinatario era giogio cornaro hijo menor de una rica familia junto con la relativamente contemporánea
villa pisani en montagnana la villa realizada en piompo dese para otro potente
patricio veneciano Giorgio cornaro señala un salto neto de escala en el prestigio
de palladio cuyos encargos hasta entonces eran esencialmente vicentinos.
La villa se empezó a construir enmarzo del año
1553 y en abril del año siguiente el edificio aunque incompleto estaba ya
habitado tanto como para aparecer
documentado palladio la será a zena con el patrón de la casa este último con su nueva esposa Elena en junio del mismo
año toma posesión formal de la villa o mejor decir de la obra para esta fecha
se había realizado solo el bloque central pero no las alas ni tampoco el segundo orden de la lógica a esto se destinaban
las dos campañas posteriores en 1569 y 1588 la segunda llevaba a cabo por
vicenso scamozzi probablemente responsable
también de la implicación de camilo mariani en la realización de las
estatuas del salón.
El interior tiene frescos del siglo XVIII obra
de mattia bortoloni villa cornaro se convirtió en un modelo para todas las
villas de todo el mundo.
Representa uno de los más destacados ejemplos
de una villa renacentista la villa pisani
y estra villa están unidas en más de un aspecto no solo por la
coincidencia cronológica y el alto estatus del cominente de hecho también la
cortnaro tiene una estructura y una decoración
muy similares a un palacio y es más
una casa de campo que una villa aislada respecto a la exploración agrícola y
otras dependencias su posición
prominente sobre la via publica remarca
su carácter ambil ante además las chimeneas presentes en todas las
estancias prueban un uso no solo estival
y no por casualidad una estructura similar sera copiada pocos años después para
el palacio de floriano antonini en Udine.
La fachada norte tiene un pórtico logia
central que es un lugar habitable fuera del sol y abierto a las frescas brisas
este extraordinario pronaos sobresaliente con doble orden refleja la solución
palladiana de lo logia del palacio chiericati en Vicenza acabada en los mismos
años con el taponamiento lateral para dar rigidez a la estructura como en el
pórtico de Octavia en roma se ha señalado que la doble logia en la fachada en
frecuente en la edificación gótica laguanr tratándose de una adaptación o de
los términos tradicionales venecianos.
DONATO
BRAMANTE
Santa Maria presson San Satiro
La
iglesia es un edificio que posee una nave central y dos laterales con bóveda de
canon. La nave esta coronada por una cúpula de emispherican en el cruce con el
transeto. Hubo el coro pero tuvo que ser
trunado debido a la presencia de una carretera, fue remplazada por una
perspectiva que se encontraba pintada, así dándose cuenta de esta manera uno de
los primeros ejemplos de l historia del arte.
En
lo que consiste su pintura fue decorada con pintura de color blanca y oro. Las
paredes tenían frescos de Borgogne, transferirá a la Pinacotec de Brera. La
antigua capilla de San Satiro también fue cubierto con decoración de cotto y
enriquecido con un terracota representado el Cristo Muero por Agostino de
Fondulis. También por el mismo artista son varios bustos de terracota en la
sacristía, que se encuentra en la planta central, inspirado a la capilla de
Portinari de Sant Eustorgio.
Posee
un campanario que es todavía el edificio
románico anterior a la reconstrucción de la década de 1480. Tambien fue desde
el siglo XV es el baptisterio anexado a la Iglesia.
La
iglesia se encuentra en el sitio de un lugar de culto muy primitivo erigido por
el arzobispo Anspertus. La iglesia fue construida en el lugar actual en el año de 1472 a 1482. Y recientemente a sido
trasladada a Marche. Bramante le dio un
perspectiva de la sacristía.
Escalera de Bramante del Vaticano
La
escalera de Bramante del Vaticano en un
gran y genial efecto óptico parece que no va a terminar nunca es obra de Donat
d Angelo Bramante, que ha pasado a la posteridad como Bramante. Vivió a caballo entre el siglo XV Y XVI y fue uno de los arquitectos italianos más reconocidos, por ser el
ideólogo de la Basílica de San Pedro también añadiendo que fue quien introdujo
el Renacimiento en Milan y realizo obras tan hipnóticas como esta escalera que
emula las espirales como que si fueran del ADN. Así pudieron dar un efecto infinito lo consigue la doble hélice
enrollada hacia la derecha. En realidad, cuando nos asomamos a la escalera, si
nos fijamos, y vemos que en realidad no es una sola escalera, sino que tiene
una forma y efecto de ser no solo un escalera enroscada, sino dos enroscadas,
una de ellas es para bajar y la otra para subir.
La
localización de esta escalera es en la salida de los Museos Vaticanos, en
realidad, es la última obra de arte que se contempla en las galerías y el
visitante se lleva de recuerdo esta espiral sin fin. Es decir si la escalera
está prácticamente vacía, como el que se encuentra en la foto, por lo tanto es
difícil descubrir ese truco de un
artista, pero hay circulación de gente, que es lo habitual, el secreto está en
fijarnos en que una de las espirales está llena de personas y la de bajada y
así otras vacías, la de subida pro que está cerrada al público pero si se las
puede utilizar.
El templete de San Pietro in Montorio
Este temple primero estuvo
en Milan donde se intereso por su
estructura tan impresionante y centralizada, de gran amplitud, con exedras, es
decir es una obra de planta
semicircular modo de ábside y cúpula.
Fue pasada a Roma, donde
levanta, el templo y es erigido en el
monte Gianicolo para conmemorar el lugar del matrimonio de san Pedro. Se trata
de un edificio circular, como un tholos
sobre basamento, su interior es un
cilindro articulado por pilastras, coronado por una cúpula sobre tambor y una
linterna. Resulta la expresión más depurada del lenguaje clásico.
Así que el papa Julio II le encargo
que realice la remodelación del Vaticano, donde levanta al patio del Belvedere, un gran espacio regularizado
en función de un eje, al fondo del cual se abre un gran nicho. Realizo un interesante proyecto, que
fue desechado, para la nueva basílica de San Pedro, en el que ideo un
edificio centralizado, de cruz griega, inscrito en un cuadrado con ábsides
circulares y torres en las esquinas.
Pintura:
MOSACCIO
La Trinidad
Se realizo en el fresco la obra la trinidad es uno de los
muros laterales de la iglesia florentica de Santa Maria Novelle. En la pintura
hubo por primera vez la teoría de la perspectiva. La pintura trata de transmitir el dogma de la trinidad
en el marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos, con una
bóveda de medio cañon así esta la división
en casetones y sostenida por columnas jónicas, flaqueadas a su vez
por pilastras que sostienen un en talamento.
En el centro se encuentra a Cristo crucificado, sostenido por Dios Padre es una
figura que se sale de las leyes de la perspectiva, en tanto que ser inconmensurable,
bajo la cruz se encuentra la Virgen
Maria y a San Juan Evangelista. Más abajo esta Berto di Bartolomeo del
Banderaio y su esposa Sandra que en la pintura
se encuentran de rodillas ante el sacra. Abajo de ellos existe una composición, es decir
esta un altar de mármol bajo el cual se
observa un esqueleto yacente. Existe unas palabras que dicen “yo fui antes lo
que vosotros sois; y lo que soy ahora lo seréis vosotros mañana.
Con respecto a su pintura la composición es de sentido
vertical ascendente, como hacia la salvación eterna desde el esqueleto es decir
símbolo de muerte, hasta la Vida eterna – Dios, pasando por la oración –
donantes, la intercesión de los santos – San Juan y La Virgen, y la redención – Cristo crucificado. El uso
que hace es masaccio de la perspectiva
composición que hace como que s el muero estuviera roto o perforado.
Expulsión de la
composición del jardín del Edén:
Es una pintura que es basada en el fresco por una columna larga y estrecha
que se extiende a las imágenes. Siendo colocado más de 10 pies del suelo, tiene
el visor de la pintura, es muy raro ver como la pintura es básicamente que
contenga en solo ellos. Colocando altos en la pared.
Se dice que una de las primeras pinturas tridimensionales, de Masaccio como base utilizaba el punto de fuga por
medio de sus torsos. El uso del punto de fuga de unidades de toda nuestra
atención a los cuerpos humanos desnudos.
Los cuerpos que aparecieron retorcidos y
como convulsionando. Adam encorvado
con sus manos cubriendo su rostro mientras el pasos hacia afuera desde el arco
de Edén. Sus músculos estas siendo estirados y torcidos. En lo que es Eva está
pintada en l agonía con sus brazos cubriendo sus partes íntimas. En lo que es
su rostro es muy difícil de observarla.
La obra crucifixión
La obra crucifixión consistió en pintar sobre un retablo para una pila de
la Iglesia de Carmine.
Vasari ofreció una descripción detallada de la obra, formando la base para
su recuperación identificación e intento de reconstrucciones la obra, que se
había desmantelado y dispersado en el siglo XVIII. Lo que es dispersión obedece
a una remodelación de la iglesia de Carmine.
Y existen solo 11 piezas
identificadas y no bastan para ofrecer una reconstrucción fiable del trabajo. La obra
crucifixión es uno de los once panales relacionados con el Poliptico de Pisa.
Vasari también dice que la obra
estaría en la parte superior central del retablo, como coronamiento, por
encima de la Virgen en trono. Otras piezas del retablo seria una Virgen con el
Niño y la Adoración de los Reyes.
Esta escena es muy referida al evangelio de Juan con la Viren a su derecha de Cristo y San Juan a su
izquierda. La figura suplicante a los pies de la Cruz representa a Mria
Magdalena, y con varios autores creen que fue añadid posteriormente. Presenta
todavía rasgos arcaicos, relacionados con el gótico internacional como el fondo
de oro. Ya que la tabla estaba destinada a ocupar un lugar muy elevado como
remate central del retablo, la figura de Cristo fue pintada de forma que se
corrigiese en las alteraciones ópticas que se producirán al quedar la obra con
el espectador.
Mosaccio tuvo un gran esfuerzo en construir figuras con
emociones humanas, preocupándose menos por los detalles accesorios.
Individualiza así cada personaje. Usa mucho la luz para valorar la anatomía.
“el interés por la perspectiva científica le conduce a ensayar audaces
escorzos.
Paolo ucello
San Jorge y el dragón
Los detalles son que:
Escorzos
ucello era característico por sus figuras escorzadas por sus perspectivas irreales imprimía
un carácter irreal a todas sus pinturas
el rostro de san Jorge la leyenda de san
Jorge empieza en la provincia de libia en un pueblo azotado por la ira de un dragón
que moraba es un lago para aplacar su fiereza
sacrificaban fiereza sin embargo cuando se quedaron sin ellas empezaron
a ofrecerles seres humanos que eran sorteados por el pueblo un día cuando
apenas quedaba ya gente le toco a la única hija del rey que apenado por no poder hacer nada la visito lujosamente y al
hizo ir ella encontró casualmente a san Jorge en el camino y este le propuso
ayudarle capturando al dragón para liberarla ya que dios le había llevado hasta
allí para ello capturaron al dragón y lo
llevaron a la ciudad para que después de que fueran todos bautizados fuera
sacrificado el cuadro es irreal la
tormenta que se ve por detrás es una de las características de ucello que hacia
perspectivas y fondos muy irreales casi
parecen los fondos de los surrealista. La hija de rey esta vestida
suntuosamente lleva a la bestia con la ayuda de su cinturón, la fiesta en esta se trata de plasmar un momento en
donde el ser humano puede derrotar a
fuerzas superiores a el por tal motivo la obra se torna irreal dando un
escenario imposible de observar en la vida diaria.
Batalla de san romano
En este tríptico como en otras obras del mismo
artista se presenta mesclados elementos medievales y renacentistas como por
ejemplo el tratamiento escultórico de los volúmenes y los escorzos de las
figuras con variadas perspectivas junto a otro elementos de tradición gotica
como los colores brillantes y el refinamiento decorativo en particular de las
figuras y del paisaje la perspectiva es dada por las lanzas de los
combatientes.
Las figuras de los hombres y de los animales
son geométricas y precisas aunque irreales como los colores que usa los
caballos son rojos blancos azules esa luz y colores irreales puede que estén
inspirados en algún relato caballeresco.
Al presentar el contraataque de micheletto la
descripción de la secuencia de acontecimientos es un pretexto para una
expresión detallada del movimiento las figuras se presentan en escorzos esto es mediante la representación deformada de motivo bajo el
efecto de una perspectiva inusual lo que permite representar
situaciones dramáticas gracias a este recurso ucellos crea sensación de
profundidad en el espacio puede verse en
el cadáver que yace en e suelo en una
posición similar a la del cristo muerto
pero boca abajo en un lugar de boca arriba
y en los dos jinetes ligeramente inclinados y vistos de espalda de la
parte derecha del cuadro algunos caballos se muestran de espaldas o de lado
para ensayar su relieve pictórico.
A la derecha
los guerreros esperan el asalto
con uno de de los preparando su arma el
centro de la tabla del Louvre está ocupado por micheletto da cotignola sobre un
caballo negro dando la señal de ataque
tiene una actitud de mando y una grave expresión en el rostro que contrasta con el gesto embravecido del caballo el
ejercito empieza a moverse y a la
izquierda la caballería carga contra el enemigo bajando las lanzas en posición de ataque de esta manera Uccello triunfa al crear la ilusión de un ímpetu
general orquestado por las lanzas y los caballos.
Historias de Noé
Las historias de Noé en particular el bisel de
la inundación y la recesión de las aguas son los frescos más famosos
del ciclo y una de las obras más importantes y emblemáticas de Paolo
Uccello y la pintura florentina de la época en general.
El bisel tiene una composición muy lleno y
complejo con dos temas transversales punto de fuga que acentúa a lo largo de la
irrealidad de colores la expresividad
del episodio a la izquierda el arca infinito inverosímil escorzo que crea
un espacio enorme los personajes tratando en vano de levantarse se acortan por la violencia de la monumental
al primer plano a los mas pequeños en el fondo hay que ver en la lluvia un hombre a caballo con una espada con el
animal que apenas mantiene la cabeza fuera del agua con un pie que sobresale un joven que escupe agua
otro que intenta salvar a su riqueza como las planchas de oro en el
centro se puede ver un numero de desplazados por las inundaciones incluyendo a
un hombre que trata de encontrar refugio en un barril a la derecha se ve el
arca bajo otro punto de vista de la que está saliendo Noé el acto de tomar la
rama de olivo de la paloma lo mismo noe se presenta entonces en el
continente mientras mira a su alrededor
extensión de cadáveres cuidadosamente
dispuestas en la perspectivas de la red de acuerdo con las formas mas típicas
de Paolo Uccello.
Fra angelico
La Madonna
de la estrella:
La denominada virgen de la estrella es
la única obra o pintura de fra angélico
que se conserva en la que la virgen no aparece acompañada por otras figuras de
santos la obra decoraba el frente de un relicario encargado por el comitente
fra Giovanni masi, para la ornamentación de santa María novella en Florencia se
ha hecho antes de 1434 año de la muerte del clérigo masi
la virgen se presentan de pie vestida con amplia túnica de intenso color
azul recortado su volumen sobre el fondo
dorado.
Lleva al hijo en sus brazos que acerca su cara
a la mejilla de su madre en actitud de
complicidad y ternura cercana a las vírgenes sentimentales. de la aureola
dorada de la virgen destellan rayos de luz también en oro que terminan en el
vértice del arco con la corona de madre
dios siguiendo la línea marcada de la figura de de María , un arco ligeramente
apuntando y decorado con medallones de estrella de paso a una faja donde se
adaptan al marco algunos ángeles unos con incendiarios el resto juntando las
manos en actitud de oración en el arco cono pial con que termina la estructura
del relicario queda el espacio para la presentación de dios cuya mirada se
dirige a la imagen de abajo.
La coronación de la virgen
Este tema aparece en Francia en el siglo XII en el tímpano de la puerta principal de
la catedral de Notre dame de senlis la
escena muestra a la virgen sentada a la derecha de cristo y coronada y
bendecida por el
Esta misma escena aparece en las vidrierías de
la catedral de Angers aunque en este
caso la virgen es coronada por un ángel en la catedral se ve la misma representación en e tímpano
del pórtico de la virgen.
En Italia se representa el tema en santa María
la mayor de roma en un mosaico de tela
que hace que su estética sea totalmente simétrica y hermosa ya que en ella se
muestra a una virgen María siendo
coronada por dios y Jesucristo que hace que le dé un tono de divinidad realizando un estado de plasmación de la obra
totalmente armonioso que hace que parezca una obra irreal este artista siendo
sacerdote izo mucho de pintura religiosa ya que siempre representaba escenas
religiosas haciendo un estilo religioso y humanístico con el ser humano
plasmando sus creencias para de tal modo el arte sea más hermoso y estético.
La anunciación
Desarrolla el tema de la anunciación tal como
aparece narrado en el nuevo testamento mostrando la escena en un pórtico de
mármol abierto que recuerda al hospital de los inocentes construcción de
un coetáneo de fray angelico como brunelleschi
con arcos de medio punto que descansan sobre finas columnas blancas,
tiene bóvedas de arista de color azul celeste sembrado de pequeñas estrellas
de oro en la fachada del pórtico hay un
medallón con la figura de dios padre en
grisalla. Al fondo del pórtico hay un
cubículo con un banco. El pórtico es de mármol la virgen está situada a la
derecha parece que ante la llegada del ángel
ha suspendido la lectura del libro que ahora
mantiene sobre el regazo
tanto ella como la figura del ángel
son dos personajes rubios de blanca
piel y de manos finas y alargadas la virgen lleva una túnica de color rosado y un manto azul ultramar el ángel esta
vestido con un traje de color rosa con
franjas de oro ceñido a la cintura que
cae en grandes pliegues hasta los pies.
Se encuentran en un jardín hortus conclusus
representación del paraíso en el Angulo izquierdo de la pintura se ven las manos de dios y de
ellas sale un rayo de luz dorada que viene recto hacia la derecha en el que
viaja la paloma del espíritu santo. El vergel que hay delante del pórtico está cuajado de florecillas y
tiene una espesa vegetación con algunos árboles entre los cuales puede verse a dos personajes que son Adán
y Eva en este caso vestidos con pieles
su expresión es de sumisión y de arrepentimiento representa en conjunto la escena el principio
y el final del pecado los primeros padres y la salvación del hijo de María un ángel vigila detrás de ellos que abandonan
el paraíso.
Leonardo da vinci
La ultima cena
Da vinci elige el momento más trágico y
dramático para pintarlo en el cuadro de
la ultima cena ya que en este Jesús de
Nazaret anuncia que uno de los 12 discípulos le traicionaría, la afirmación de Jesús causa consternación en los discípulos y ese es el momento que Leonardo representa intentando reflejar
los movimientos del alma las distintas reacciones individualizadas de cada uno
de los doce apóstoles unos se asombran otros se levantan porque por que no han
oído bien otros se espantan y finalmente
retrocede al sentirse aludido, aunque se basa en las representaciones
procedentes Leonardo crea una formulación nueva como puede verse en el dibujo
preparatorio Leonardo pensó inicialmente en la composición clásica con judas delante de la mesa y los otros once
apóstoles en frente con Jesucristo en el medio como uno más Leonardo se aparto
de esta tradición iconográfica e incluye a judas entre los demás apóstoles
porque ha elegido otro momento el
posterior a su anuncio de que uno lo traicionaría Leonardo cambio la
posición de Jesucristo que inicialmente estaba de perfil hablando
con Juan evangelista que aparece en pie a su lado hay otro apóstol que está
parado y lo sitúa en el centro hacia el
que convergen todas las líneas de fuga
destacando aun mas al perfilarse contra
el ventanal del centro rematado con un arco y separándolo de los apóstoles a
ambos lados de Jesucristo aislados en forma de triangulo y destacados con
colores rojo y azul están los apóstoles agrupados de a tres en tres.
La mona lisa o la Gioconda
Leonardo dibujo el esbozo del cuadro y después
aplico el oleo diluvio en aceite esencial la técnica empleada conocida con el
termino italiano de sfumato consiste en prescindir de los contornos netos y
precisos típicos del quattrocento y envolverlo todo en una especie de niebla
que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la
atmosfera lo que da a la figura una sensación tridimensional.
El cuadro se pinto sobre una tabla de madera
de álamo recubierta por varias capas de enlucido se conserva en una urna de
cristal de 40mm de espesor a prueba de balas tratada de manera especial para
evitar los reflejos la cámara que
alberga el cuadro está diseñada para mantener una temperatura contaste.
En este retrato la dama está sentada en un
sillón y posa sus brazos en los brazos en los brazos del asiento en sus manos y sus ojos pueden verse un
ejemplo característico del esfumado y del juego que el pintor hace con la luz y
la sombra para dar la sensación de volumen.
Aparece sentada en una galería se abre a un
paisaje tal vez inspirado en las vistas que Leonardo pudo divisar en los Alpes
durante su viaje a Milán el paisaje posee una atmosfera húmeda que parece
rodear a la modelo se ha intentado identificarlo con algún recodo del armo o
con una porción del lago de cosmos sin haber llegado a conclusiones
definitivas.
Se ha intentado muchas veces compaginar las
dos mitades del paisaje que aparece tras el modelo pero la discordancia entre
ambos lados es tan grande que no permite diseñar una imagen continuada el lado
izquierdo parece estar más bajo que el derecho entrando en conflicto con la
física puesto que el agua no puede permanecer quieta si existe desnivel en el
terreno, en medio del paisaje aparece un puente elemento de civilización que
podría estar señalando la importancia de la ingeniería y la arquitectura.
La modelo carece de cejas y pestañas
posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos pasados en la
cual se habrían eliminado las veladuras o leves trazos con que se pintaron.
San Juan bautista
Este es uno de los últimos cuadros del pintor renacentista italiano Leonardo da
vinci datado hacia 1508 a 1513 época en que el alto renacimiento estaba
metamorfeandose en el manierismo está pintado al oleo sobre tabla que mide 69 cm de alto y
57cm de ancho.
Fue una de las últimas pinturas del autor sin duda una de las mas debatidas hay mucha
polémica sobre el significado de la mano del santo apuntando hacia arriba y su
sonrisa enigmática ha provocado discusiones
semejantes a las de la mona lisa.
El cuadro puede ser considerado enteramente
autógrafo este es uno de los cuadros que
Leonardo mostro al cardenal de Aragón, representa a Juan bautista en la soledad
del desierto está representado de medio cuerpo una variación sobre el tema de
la figura construida clásica y monumentalmente
en el espacio en directa sugestión de los modelos de la estatuaria
antigua, esta vistiendo pieles tiene largo pelo rizado sostiene una cruz de junco en su mano izquierda mientras que
la derecha apunta hacia el cielo se cree
que la cruz y las pieles se añadieron más adelante por otro pintor la figura está
envuelta por una mórbida sombra mientras que el tronco tiene una cierta solides
y fuerza el rostro y la expresión tienen una delicadeza y misteriosa suavidad
que parecen contradecir la personalidad de Juan el intransigente y abstemio predicador en el desierto como lo
describe la biblia, puede ser que haya escogido retratas al santo en el momento
de bautizar a Jesucristo el momento en el que el espíritu santo desciende sobre
Jesús en forma de paloma la expresión del rostro lánguida y ambigua es típica
de las últimas obras de Leonardo la mirada es estrabica pues muestra la
embriaguez de amor en índice señala hacia el cielo pues el amor solo se
completa en dios según enseña platón.
Miguel ángel
La creación de Adán
Dios representado como un hombre anciano y con
barba envuelto en una alborotada túnica color purpura la cual comparte con unos
querubines su brazo izquierdo esta
alrededor de una figura femenina normalmente interpretada como Eva quien no ha
sido creada aun y en sentido figurado espera en los cielos a que le sea dado un
lugar en la tierra el brazo derecho de dios se encuentra estirado para impartir
la chispa de vida de su propio dedo al de Adán cuto brazo izquierdo se
encuentra en idéntica posición al de dios es famoso el hecho de que ambos dedos
están separados por una mínima distancia la pintura tomo de tres a cuatro años
ser completada.
Las posiciones idénticas de dios y Adán se
basan en la biblia al mismo tiempo dios que aparece flotando en el aire
contrasta con la imagen terrenal de Adán
quien se encuentra acostado en una estable triangulo de tierra, han
surgido en torno al significado de la
composición original de la creación de Adán muchas de estas toman la bien
documentada experiencia de miguel angelen la anatomía humana como punto de
partida.
El juicio final:
el fresco es un enorme conjunto
pictórico al fresco de género religioso cuyo tema es el juicio final extraído
del apocalipsis, en ella está el Cristo
que está en el epicentro de la obra con un energético y aterrador
movimiento separa a los justos de los pecadores es uno de los pocos Cristo que
se han pintado con una expresión de enojo e ira, también se encuentra María junto a Cristo esta María temerosa se esconde
junto a su hijo asustada por el movimiento violento que hace detrás de ellos
hay un destello de luz así que reciben todo el enfoque además porque se
encuentran en el centro, alrededor de ellos están varios santos representados sin perspectiva alguna rodeándolos por todas
partes algunos parecen estar asustados por la acción que acaba de hacer Cristo
y otros están inquietos para
reconocerlos los pintaron con sus
características de mártires, san Pedro tiene en sus manos las llaves del
paraíso, san pablo se le reconoce por su
barba gris y su aspecto ceñudo, san Andrés sostiene una cruz en forma de x símbolo de su martirio, san Bartolomé tiene una piel en su mano ya que este mártir
fue despellejado según la tradición se
dice que miguel ángel pinto su cara en la piel despellejada del mártir como
signo de que el creía no merecer el cielo pues estaba atormentado, santa
catalina usa la rueda de púas de su martirio para evitar el paso a los
pescadores que intentan llegar al cielo,
san Sebastián tiene sostenidas las flechas de su martirio, san Lorenzo
sostiene la parrilla de su martirio, san Blas sostiene los dos rastrillos de
carda de su martirio.
También están los ángeles debajo de este grupo
central de Cristo María y los santos se encuentran un grupo de ángeles con sus
trompetas según el apocalipsis se supone que eran 7 trompetas aunque aquí
parece haber 8 otros ángeles sostienen el libro de la vida y el libro de la
muerte donde están los nombres de los salvos y los condenados respectivamente.
También hay otra parte donde están las
multitudes laterales volviendo al grupo central estos a su vez están rodeados
de una gran multitud donde se encuentra gente común muchos están en un ambiente
de relativos pánico no saben que hacer entre el tumulto muchos están
encontrando a sus familiares y amigos y están realmente felices algunos llegan
a conmoverse reflejado en sus lagrimas.
En la parte inferior las multitudes se dividen en dos los que
están ascendiendo al cielo que están en el lado izquierdo y los que descienden
al infierno al lado derecho las personas
que ascienden son las que estaban en la
tierra en el momento en que Cristo llama a todas las personas muchos están
resucitando y son representados como cadáveres algunos ángeles ayudan a
subirlos al cielo y más adelante las
mismas personas ayudan a otras a que asciendan
en la tierra hay algunos demonios escondidos en cuevas algunos demonios
intentan evitar que las personas asciendan al cielo.
En la parte del infierno del lado derecho
están los condenados que están siendo arrojados por ángeles y algunas personas
a las tinieblas muchos caen y parecen realmente estar muy desesperados varios
son obligados a subir a la barca los
condenados son tirados por algunos demonios a las tinieblas ahí esta Minos que
según la historia tiene la cara y las facciones
de uno de los sacerdotes que critico al fresco cuando miguel ángel lo
mostro los ríos de fuego y azufre les esperan.
Los lunetos superiores son 2 en la parte
superior del fresco ajenos a la situación que se viven en el luneto izquierdo
algunos ángeles llevan la cruz de Cristo la corona de espinas y los clavos de
la pasión en el luneto derecho otros ángeles llevan la columna de la
flagelación de Cristo.
Caída del hombre, pecado original y expulsión
del paraíso
Este se encuentra en la capilla Sixtina este fresco es grande pero no todo lo que hay
pintado ahí parece ser el más grande de
todo el conjunto en el hay seis figuras del lado izquierdo están Adán y Eva y Satanás del lado derecho
vemos a un ángel y nuevamente a Adán y Eva, el Adán y la Eva que se encuentran
del lado izquierdo son totalmente distintos a los que se encuentran del lado
opuesto pero tampoco se parecen a los de los otros dos frescos.
Aquí vemos a un Adán rubio el cual en los
otros dos frescos tuvo el pelo castaño y rojizo, su cuerpo ha madurado y ya ni
es un joven ahora tiene una
fisionomía gigantesca y musculosa se esta estirando para alcanzar el fruto que
se encuentra en el árbol de la sabiduría.
Junto a él y recostada se encuentra una Eva
masculina musculosa y muy poco femenina
ella tuerce su cuerpo para alcanzar la manzana que le está dando Satanás el
cual esta enroscado al tronco del árbol por su cola esta escena carece de
alegría es un poco tensa pues Adán y Eva
saben que están en pecado pero no
se definen en eso.
Del lado derecho vemos la consecuencia de esto
tal y como lo relata la biblia cuando dios se entero de lo que habían hecho y
los castigo mando un ángel para que los expulsara del paraíso.
El ángel que vemos aquí no es como los que
acompañan a dios en las pinturas de la creación de la tierra y el hombre es un
ser de género dudoso esta vestido con su propia túnica roja y apunta con una
espada el cuello de Adán, las caras que vemos en Adán y Eva son terribles los
dos parecen haber envejecido y su rostro
se deforma y se arruga de la
tristeza que los aflige Eva parece una anciana.
Al comer el fruto prohibido hallaron penoso el
estar desnudos asi que sus poses demuestran
pudor también los dos se cubren del ángel y de ellos mismos.
SANDRO BOTTICELLI
Virgen con el niño y angel
.
Es posible que esta
pintura un tanto sorprendente de la Virgen se
produjera mientras Botticelli estaba aún trabajando en el taller de su maestro, Filippo Lippi. La inspiración inicial para la pintura vino
de la famosa Madonna de este último en los Uffizi. Botticelli reemplazó el paisaje con una arquitectura arqueada que enmarca
las cabezas de madre e hijo y enfatiza las dos figuras principales como el
centro de la escena devocional. María se sienta en un escabel, del que se
muestra un brazo ornamentado y un almohadón con botones.
Se considera que es la
más antigua de las Vírgenes sobre tabla pintadas por Sandro Botticelli en el
periodo que antecede a 1470 que muestran una profunda influencia de Filippo Lippi, siendo parecidas a la Virgen con el Niño y ángeles de Filippo que se conserva en laGalería de los Uffizi de Florencia que
data del mismo años: 1465. Como en las demás composiciones de este tipo, se muestra a María de tres
cuartos, con el Niño en brazos; aparece además un ángel. La influencia de Lippi se evidencia en la colocación de las figuras, la
ventana detrás de María, la mirada de ésta hacia su hijo y la actitud del Niño,
apoyado en su madre.
En esta Madona, como en
las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de
Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre
con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual
que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las
Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en
sus juegos con una cierta sonrisa.
No debe confundirse con
otro cuadro de la misma época aproximadamente, que se titula igualmente Virgen con el Niño y ángel, un
temple sobre tabla de 110 x 70 centímetros y que se conserva en el Museo Fesch de Ajaccio, en el que María está de pie.
Adoración de los Magos
Para
otras pinturas con el mismo tema, véase Adoración de los Magos (pintura).
La
Adoración de los Magos (en italiano, Adorazione dei Magi) es un cuadro pintado
al temple sobre tabla que mide 111 cm. de alto y 134 cm. de ancho, realizado en
el año 1475 por el pintor italiano Sandro Botticelli. Se conserva en la Galería
de los Uffizi de Florencia.
Fue
un encargo para la capilla funeraria de Guasparre di Zanobi del Lama, la
Capilla Lami, ubicada en la pared de la entrada de la iglesia de Santa Maria
Novella. Por su comitente y el propósito original la pintura es conocida
también como "altar Zanobi". Posteriormente pasó a formas parte de
las colecciones mediceas.
La Piedad
La
Piedad (conocida en italiano como Compianto su Cristo morto), es un cuadro
realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutado
al temple sobre tabla. Mide 107 cm. de alto y 71 cm. de ancho. Fue pintado en
1495. Actualmente se conserva en el Museo Poldi Pezzoli de Milán (Italia).
Se
cree que esta obra fue un encargo de Donato de Antonio Cioli, miniaturista de
códices, para Santa María Maggiore de Florencia.
La
estructura de este cuadro es piramidal, gracias a la acumulación de los
personajes, representados muy juntos. Las figuras están conectadas muy
estrechamente. Esta composición evoca la forma de una cruz, culminando en José
de Arimatea, que muestra la corona de espinas y los clavos.
Las
diversas expresiones de dolor acentúan el patetismo de esta obra. El punto de
vista cercano aproxima al espectador a la escena.
En
este Entierro se evidencia la influencia del cambio producido en Florencia como
consecuencia de la caída de los Médicis y las predicaciones apocalípticas de
Savonarola. Se recupera un tema propio de la pintura gótica, aunque actualizado
conforme al estilo renacentista, evidente en las indumentarias y sus pliegues.
Andre Mantegna
Lamentación sobre Cristo muerto
es una de las más célebres obras de Andrea Mantegna. Es un óleo sobre tela de
68 centímetros de alto por 81 de ancho, conservado en la Pinacoteca de Brera de
Milán, cuya fecha de realización no se ha establecido con certeza,
proponiéndose fechas que oscilan entre 1457 y 1501, aunque lo más probable es
que sea de la etapa de madurez del artista, en torno a los años 1480 y 1490.1 2
La escena muestra a Cristo muerto,
tendido sobre una losa de mármol de forma casi perpendicular al espectador, en
uno de los escorzos más violentos de la historia de la pintura. En un fuerte
contraste de luces y sombras, la escena transmite un profundo sufrimiento y
desolación. La tragedia se potencia dramatizando la figura de Cristo por su
violenta perspectiva y la distorsión de sus detalles anatómicos, en especial el
tórax. Los estigmas de las manos y los pies están representados sin idealismo
ni retórica. La sábana que cubre parcialmente el cadáver, pintada en los mismos
tonos que el cuerpo, contribuye al efecto sobrecogedor del conjunto que
concluye en los rasgos de la cabeza, inclinada e inmóvil.
Se trata de un tema común en el
Renacimiento (la lamentación sobre Cristo muerto, con precedentes desde Giotto)
pero nunca hasta entonces se había reflejado de una forma tan rotunda el
carácter definitivo de la muerte.
Un detalle que sorprende es la
elección de poner los genitales de Jesús en el centro geométrico del cuadro.
Está rodeado por la Virgen María,
San Juan Evangelista y por una tercera figura, identificable con una mujer
piadosa o con María Magdalena, que lloran su muerte. La desproporción de sus
rostros, excesivamente grandes, con lo pequeño de sus manos en primer plano y
lo descompensado de su integración en la composición hacen pensar en que son un
añadido posterior de otro artista.
La pintura, comparada con las
concepciones artísticas propias de la Edad Media, muestra una innovación propia
del Renacimiento al representar una figura humana sin simbolismos. Mantegna se
concentró en un modo muy específico en retratar el trauma físico más que el
emotivo, contrario, por tanto, al ideal espiritual.
Probablemente el cuadro estaba
destinado a la capilla funeraria del mismo Mantegna. Fue encontrado por sus
hijos en su estudio y vendido para pagar sus deudas
Tránsito de la Virgen
Luis II Gonzaga le encargó a
Mantegna en 1458 esta obra para la capilla del castillo ducal en Mantua; en
1464 estaba casi completada. Allí estuvo, junto al retablo, de centro cóncavo,
que se conserva en la Galería de los Uffizi. Posteriormente, esa capilla se
desmanteló, y este cuadro se llevó a Ferrara, donde se encuentra documentado en
1588. Posteriormente formó parte de la colección de Carlos I de Inglaterra, por
lo que ostenta su marca en el reverso. Al ser decapitado este rey, se
subastaron sus bienes en almoneda, y el cuadro fue adquirido por Felipe IV de
España.
Análisis del cuadro
Se trata de una tabla de pequeño
tamaño que describe un tema religioso, la muerte de la Virgen María. En
realidad, era más grande, pues le falta la parte superior, en la que estaba
representada la figura de Jesucristo bajo una bóveda, rodeado de ángeles que
recogen el alma de la Virgen. Este fragmento se conserva ahora en la Pinacoteca
de Ferrara. En 2008, el Museo del Louvre reunió temporalmente ambas partes en
una exposición sobre el artista.
Aquí aparecen los apóstoles,
formando un grupo majestuoso de severos ropajes, todos alrededor de la cama en
la que yace la Virgen María. Los símbolos que llevan en las manos (cirios,
palmas, libro de difuntos, incensario) les sirven para rendir homenaje a la
Virgen. El gesto de todos ellos es acongojado. No hay doce apóstoles sino once.
Hay que recordar que, según las creencias cristianas, después del suicidio de
Judas Iscariote, los once apóstoles restantes se reunieron y eligieron a Matías
para completar nuevamente el número de doce apóstoles enviados a las doce
tribus de Israel; se cree que el apóstol que falta sería Tomás, que se encontraría
evangelizando tierras lejanas al tiempo del tránsito de la Virgen. La escena
está representada conforme a los Evangelios Apócrifos. Las figuras se enmarcan
en una arquitectura típicamente renacentista.
Al fondo, se ve un paisaje con un
lago, representando los lagos que había en la zona de Mantua, hoy desecados;
sobre ellos se tiende un puente, llamado de San Giorgio. De esta manera, la
escena parece transcurrir en el Palacio Ducal de Mantua, y no en Jerusalén.
El estilo es veneciano. Está
pintado en colores fríos, como es habitual en Mantegna. Recuerda un poco, sobre
todo en la representación del paisaje, a la obra de Giovanni Bellini.
Los triunfos del Cesar
Los triunfos del Cesar es una serie de diez
grandes cuadros pintada por el maestro italiano Andrea Mantegna entre 1486 y
1505. Fueron pensados para colgarse alineados como partes de una sola imagen:
un desfile militar presidido por Julio César tras su triunfo en la Guerra de
las Galias (años 58-51 antes de Cristo). La serie se creó para el Palacio Ducal
de Mantua, seguramente por encargo del duque Francisco II Gonzaga, pero desde
1630 los nueve cuadros supervivientes se hallan en Gran Bretaña, colgados en el
palacio de Hampton Court (Royal Collection).
Historia
Andrea Mantegna (h. 1431 – 1506) desarrolló
la mayor parte de su carrera en Mantua, al servicio de la familia Gonzaga, saga
que gobernó el ducado hasta principios del siglo XVIII. Entre sus diversos
trabajos para los duques (como los murales de la Cámara de los esposos)
Mantegna abordó un conjunto de grandes lienzos para ilustrar un grandioso
desfile militar romano, con Julio César sentado en un carruaje y multitud de
abanderados, músicos y demás figuras portando armas y objetos valiosos.
La serie hubo de pintarse entre 1486 y 1505,
y para su exhibición se construyó una galería en el Palacio de San Sebastiano,
uno de los edificios del gran complejo ducal. Eran diez grandes lienzos (de
2,66 x 2,78 metros cada uno) pintados con una mezcla de témperas, clara de
huevo y cola. De los diez subsisten actualmente nueve; por suerte el décimo
(Los senadores) se conoce gracias a diversas copias en grabado. A lo largo de
un siglo el conjunto fue reproducido por diversos grabadores, como Giovanni
Antonio da Brescia y Andrea Andreani, por lo que gozó de fama europea antes de
moverse de su emplazamiento original.
En 1629 Carlos I de Inglaterra protagonizó
una de las mayores compras artísticas de la historia: adquirió por 25.000
libras de la época una amplia selección de las mejores pinturas de los Gonzaga,
incluyendo Los triunfos, que llegaron a Hampton Court al año siguiente y se
colgaron en la llamada Lower Orangerie, un pabellón que se había erigido para
la reina Mary II como invernadero de plantas exóticas.
Tras la ejecución de Carlos I, la colección
real se dispersó y en parte se repartió entre sus múltiples acreedores, pero
Oliver Cromwell decidió retener Los triunfos, junto con los igualmente célebres
cartones de Los hechos de los Apóstoles de Rafael Sanzio.
En el siglo XIX su estado de conservación era
muy malo, y fueron sometidos a una restauración entre 1962 y 1974, a excepción
del séptimo lienzo (Los prisioneros), muy alterado por intervenciones
anteriores y que apenas conservaba pintura original. En la actualidad la serie
permanece en Hampton Court.
SANDRO BOTTICELLI
Virgen con el niño y angel
.
Es posible que esta
pintura un tanto sorprendente de la Virgen se
produjera mientras Botticelli estaba aún trabajando en el taller de su maestro, Filippo Lippi. La inspiración inicial para la pintura vino
de la famosa Madonna de este último en los Uffizi. Botticelli reemplazó el paisaje con una arquitectura arqueada que enmarca
las cabezas de madre e hijo y enfatiza las dos figuras principales como el
centro de la escena devocional. María se sienta en un escabel, del que se
muestra un brazo ornamentado y un almohadón con botones.
Se considera que es la
más antigua de las Vírgenes sobre tabla pintadas por Sandro Botticelli en el
periodo que antecede a 1470 que muestran una profunda influencia de Filippo Lippi, siendo parecidas a la Virgen con el Niño y ángeles de Filippo que se conserva en laGalería de los Uffizi de Florencia que
data del mismo años: 1465. Como en las demás composiciones de este tipo, se muestra a María de tres
cuartos, con el Niño en brazos; aparece además un ángel. La influencia de Lippi se evidencia en la colocación de las figuras, la
ventana detrás de María, la mirada de ésta hacia su hijo y la actitud del Niño,
apoyado en su madre.
En esta Madona, como en
las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de
Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre
con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual
que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las
Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en
sus juegos con una cierta sonrisa.
No debe confundirse con
otro cuadro de la misma época aproximadamente, que se titula igualmente Virgen con el Niño y ángel, un
temple sobre tabla de 110 x 70 centímetros y que se conserva en el Museo Fesch de Ajaccio, en el que María está de pie.
Adoración de los Magos
Para
otras pinturas con el mismo tema, véase Adoración de los Magos (pintura).
La
Adoración de los Magos (en italiano, Adorazione dei Magi) es un cuadro pintado
al temple sobre tabla que mide 111 cm. de alto y 134 cm. de ancho, realizado en
el año 1475 por el pintor italiano Sandro Botticelli. Se conserva en la Galería
de los Uffizi de Florencia.
Fue
un encargo para la capilla funeraria de Guasparre di Zanobi del Lama, la
Capilla Lami, ubicada en la pared de la entrada de la iglesia de Santa Maria
Novella. Por su comitente y el propósito original la pintura es conocida
también como "altar Zanobi". Posteriormente pasó a formas parte de
las colecciones mediceas.
La Piedad
La
Piedad (conocida en italiano como Compianto su Cristo morto), es un cuadro
realizado por el pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutado
al temple sobre tabla. Mide 107 cm. de alto y 71 cm. de ancho. Fue pintado en
1495. Actualmente se conserva en el Museo Poldi Pezzoli de Milán (Italia).
Se
cree que esta obra fue un encargo de Donato de Antonio Cioli, miniaturista de
códices, para Santa María Maggiore de Florencia.
La
estructura de este cuadro es piramidal, gracias a la acumulación de los
personajes, representados muy juntos. Las figuras están conectadas muy
estrechamente. Esta composición evoca la forma de una cruz, culminando en José
de Arimatea, que muestra la corona de espinas y los clavos.
Las
diversas expresiones de dolor acentúan el patetismo de esta obra. El punto de
vista cercano aproxima al espectador a la escena.
En
este Entierro se evidencia la influencia del cambio producido en Florencia como
consecuencia de la caída de los Médicis y las predicaciones apocalípticas de
Savonarola. Se recupera un tema propio de la pintura gótica, aunque actualizado
conforme al estilo renacentista, evidente en las indumentarias y sus pliegues.
Andre Mantegna
Lamentación sobre Cristo muerto
es una de las más célebres obras de Andrea Mantegna. Es un óleo sobre tela de
68 centímetros de alto por 81 de ancho, conservado en la Pinacoteca de Brera de
Milán, cuya fecha de realización no se ha establecido con certeza,
proponiéndose fechas que oscilan entre 1457 y 1501, aunque lo más probable es
que sea de la etapa de madurez del artista, en torno a los años 1480 y 1490.1 2
La escena muestra a Cristo muerto,
tendido sobre una losa de mármol de forma casi perpendicular al espectador, en
uno de los escorzos más violentos de la historia de la pintura. En un fuerte
contraste de luces y sombras, la escena transmite un profundo sufrimiento y
desolación. La tragedia se potencia dramatizando la figura de Cristo por su
violenta perspectiva y la distorsión de sus detalles anatómicos, en especial el
tórax. Los estigmas de las manos y los pies están representados sin idealismo
ni retórica. La sábana que cubre parcialmente el cadáver, pintada en los mismos
tonos que el cuerpo, contribuye al efecto sobrecogedor del conjunto que
concluye en los rasgos de la cabeza, inclinada e inmóvil.
Se trata de un tema común en el
Renacimiento (la lamentación sobre Cristo muerto, con precedentes desde Giotto)
pero nunca hasta entonces se había reflejado de una forma tan rotunda el
carácter definitivo de la muerte.
Un detalle que sorprende es la
elección de poner los genitales de Jesús en el centro geométrico del cuadro.
Está rodeado por la Virgen María,
San Juan Evangelista y por una tercera figura, identificable con una mujer
piadosa o con María Magdalena, que lloran su muerte. La desproporción de sus
rostros, excesivamente grandes, con lo pequeño de sus manos en primer plano y
lo descompensado de su integración en la composición hacen pensar en que son un
añadido posterior de otro artista.
La pintura, comparada con las
concepciones artísticas propias de la Edad Media, muestra una innovación propia
del Renacimiento al representar una figura humana sin simbolismos. Mantegna se
concentró en un modo muy específico en retratar el trauma físico más que el
emotivo, contrario, por tanto, al ideal espiritual.
Probablemente el cuadro estaba
destinado a la capilla funeraria del mismo Mantegna. Fue encontrado por sus
hijos en su estudio y vendido para pagar sus deudas
Tránsito de la Virgen
Luis II Gonzaga le encargó a
Mantegna en 1458 esta obra para la capilla del castillo ducal en Mantua; en
1464 estaba casi completada. Allí estuvo, junto al retablo, de centro cóncavo,
que se conserva en la Galería de los Uffizi. Posteriormente, esa capilla se
desmanteló, y este cuadro se llevó a Ferrara, donde se encuentra documentado en
1588. Posteriormente formó parte de la colección de Carlos I de Inglaterra, por
lo que ostenta su marca en el reverso. Al ser decapitado este rey, se
subastaron sus bienes en almoneda, y el cuadro fue adquirido por Felipe IV de
España.
Análisis del cuadro
Se trata de una tabla de pequeño
tamaño que describe un tema religioso, la muerte de la Virgen María. En
realidad, era más grande, pues le falta la parte superior, en la que estaba
representada la figura de Jesucristo bajo una bóveda, rodeado de ángeles que
recogen el alma de la Virgen. Este fragmento se conserva ahora en la Pinacoteca
de Ferrara. En 2008, el Museo del Louvre reunió temporalmente ambas partes en
una exposición sobre el artista.
Aquí aparecen los apóstoles,
formando un grupo majestuoso de severos ropajes, todos alrededor de la cama en
la que yace la Virgen María. Los símbolos que llevan en las manos (cirios,
palmas, libro de difuntos, incensario) les sirven para rendir homenaje a la
Virgen. El gesto de todos ellos es acongojado. No hay doce apóstoles sino once.
Hay que recordar que, según las creencias cristianas, después del suicidio de
Judas Iscariote, los once apóstoles restantes se reunieron y eligieron a Matías
para completar nuevamente el número de doce apóstoles enviados a las doce
tribus de Israel; se cree que el apóstol que falta sería Tomás, que se encontraría
evangelizando tierras lejanas al tiempo del tránsito de la Virgen. La escena
está representada conforme a los Evangelios Apócrifos. Las figuras se enmarcan
en una arquitectura típicamente renacentista.
Al fondo, se ve un paisaje con un
lago, representando los lagos que había en la zona de Mantua, hoy desecados;
sobre ellos se tiende un puente, llamado de San Giorgio. De esta manera, la
escena parece transcurrir en el Palacio Ducal de Mantua, y no en Jerusalén.
El estilo es veneciano. Está
pintado en colores fríos, como es habitual en Mantegna. Recuerda un poco, sobre
todo en la representación del paisaje, a la obra de Giovanni Bellini.
Los triunfos del Cesar
Los triunfos del Cesar es una serie de diez
grandes cuadros pintada por el maestro italiano Andrea Mantegna entre 1486 y
1505. Fueron pensados para colgarse alineados como partes de una sola imagen:
un desfile militar presidido por Julio César tras su triunfo en la Guerra de
las Galias (años 58-51 antes de Cristo). La serie se creó para el Palacio Ducal
de Mantua, seguramente por encargo del duque Francisco II Gonzaga, pero desde
1630 los nueve cuadros supervivientes se hallan en Gran Bretaña, colgados en el
palacio de Hampton Court (Royal Collection).
Historia
Andrea Mantegna (h. 1431 – 1506) desarrolló
la mayor parte de su carrera en Mantua, al servicio de la familia Gonzaga, saga
que gobernó el ducado hasta principios del siglo XVIII. Entre sus diversos
trabajos para los duques (como los murales de la Cámara de los esposos)
Mantegna abordó un conjunto de grandes lienzos para ilustrar un grandioso
desfile militar romano, con Julio César sentado en un carruaje y multitud de
abanderados, músicos y demás figuras portando armas y objetos valiosos.
La serie hubo de pintarse entre 1486 y 1505,
y para su exhibición se construyó una galería en el Palacio de San Sebastiano,
uno de los edificios del gran complejo ducal. Eran diez grandes lienzos (de
2,66 x 2,78 metros cada uno) pintados con una mezcla de témperas, clara de
huevo y cola. De los diez subsisten actualmente nueve; por suerte el décimo
(Los senadores) se conoce gracias a diversas copias en grabado. A lo largo de
un siglo el conjunto fue reproducido por diversos grabadores, como Giovanni
Antonio da Brescia y Andrea Andreani, por lo que gozó de fama europea antes de
moverse de su emplazamiento original.
En 1629 Carlos I de Inglaterra protagonizó
una de las mayores compras artísticas de la historia: adquirió por 25.000
libras de la época una amplia selección de las mejores pinturas de los Gonzaga,
incluyendo Los triunfos, que llegaron a Hampton Court al año siguiente y se
colgaron en la llamada Lower Orangerie, un pabellón que se había erigido para
la reina Mary II como invernadero de plantas exóticas.
Tras la ejecución de Carlos I, la colección
real se dispersó y en parte se repartió entre sus múltiples acreedores, pero
Oliver Cromwell decidió retener Los triunfos, junto con los igualmente célebres
cartones de Los hechos de los Apóstoles de Rafael Sanzio.
En el siglo XIX su estado de conservación era
muy malo, y fueron sometidos a una restauración entre 1962 y 1974, a excepción
del séptimo lienzo (Los prisioneros), muy alterado por intervenciones
anteriores y que apenas conservaba pintura original. En la actualidad la serie
permanece en Hampton Court.
Rafael Sanzio.
- Villa Madama, Roma (1517 - 1520; no llegó a
terminarse).
a obra magna que ha dejado el Rafael
arquitecto, proyectada el mismo año de su muerte, es la hermosa villa que en la
falda del Monte Mario levantó como mansión de recreo y solaz para el cardenal
Julio de Médicis, futuro papa Clemente VII. Su actual nombre de Villa Madama lo
obtuvo por haber sido residencia en 1536 de madame Margarita de Parma, hija de
Carlos V.
Gracias a los planos realizados por el taller
de los Sangallo conocemos la idea completa de Rafael, tomando como modelo la
villa de Plinio el Joven en Laurentium. La villa se estructuraba alrededor de
un patio circular tras el que se encontraba el ninfeo y el teatro, levantado a
la antigua. Delante del patio se diseñó una galería abierta al campo y en el
fondo, las caballerizas. En el ala de la izquierda se situaba el atrio, eje de
esta zona, ubicándose junto a él el segundo apartamento con un gran salón
también circular, el jardín secreto y el vivero. El ala de la derecha
presentaba un gran jardín con un amplio invernadero, una galería que se
utilizaba como comedor en verano y diversos apartamentos de planta cuadrada.
Por desgracia, sólo se pudo construir una parte del proyecto de Rafael,
quedando el esplendor de la villa bastante disminuido.
Quedó casi totalmente destruida tras el
saqueo de Roma. Pasó después a ser propiedad de Madame Margarita -Margarita de
Parma-, de quien tomó el nombre. El diseño original incluía un teatro, jardines
en terrazas, un gran patio circular y una loggia, existente todavía y decorada
con relieves de estuco y pinturas de grutescos de Giovanni da Udine y Giulio
Romano, derivadas de edificios romanos de la época del Imperio, como la Domus
Aurea de Nerón, descubierta en aquellas fechas.
- Basílica de San Pedro (1515):
La desaparición de la basílica
constantiniana fue gradual. Desde la primera decisión de Nicolás V Parentucelli
de ampliar y restaurar la antigua basílica en la segunda mitad del Quattrocento,
encargando a Rossellino, hasta la conclusión del nuevo edificio con la
inauguración de la fachada (1612), transcurrieron poco más de 150 años. Un
período de tiempo bastante largo en apariencia pero comprensible si se piensa
en la enorme mole de trabajo y en los constantes cambios de proyectos que hubo.
Estudiar la génesis de la Basílica de San Pedro equivale a conocer la historia
de la evolución del pensamiento y del arte en las distintas épocas históricas.
A lo largo de los más de 150 años necesarios para las obras de la Basílica, los
artistas más famosos de la época se alternaron en la dirección de la “Fábrica
de San Pedro”: desde Rafael Sanzio, que hacia 1514 optó por transformar en una
cruz latina la estructura de cruz griega del edificio proyectado por Bramante,
hasta Antonio da Sangallo el Joven y a Miguel Ángel que, bajo el pontificado de
Paulo III, decidió retomar el proyecto original de cruz griega, diseñó la
cúpula y siguió los trabajos personalmente hasta su muerte, en 1564. En los treinta
años sucesivos, primero fue nombrado el Vignola para dirigir la “Fábrica de San
Pedro”, y luego los arquitectos Giacomo Della Porta y Domenico Fontana, a quien
se debe el mérito de haber llevado a cabo, hacia 1588, el proyecto
miguelangelesco de la cúpula.
La Basílica de San Pedro alcanzó su
aspecto actual gracias a la intervención de Carlo Maderno, que retomó la
estructura basilical de cruz latina, y definió el aspecto escenográfico de la
fachada.
Los trabajos de la basílica terminaron
en 1626 y consagrada solemnemente bajo el pontificado de Urbano VIII. Entre
1656 y 1667, por voluntad de Alejandro VII, Bernini proyectó y realizó el
monumental pórtico de columnas de la Plaza de San Pedro, colocando en su centro
el obelisco del siglo I a.C., situado originariamente, en el centro del circo
de Calígula, lugar del martirio de san Pedro. En 1585, el obelisco fue
trasladado por Domenico Fontana y colocado en el lugar actual, siguiendo
órdenes del papa Sixto V.
La Basílica de San Pedro posee una
capacidad de 20.000 fieles. Mide unos 190 metros de largo, el ancho de las tres
naves es de 58 metros, la nave central tiene 45,50 metros de altura, hasta la
cima de la bóveda, la cúpula alcanza unos 136 metros de altura hasta la cruz;
el interior, caracterizado por grandiosas decoraciones en mosaico, constituye
el precioso joyero que custodia algunas de las más célebres obras de arte del
mundo, como el Baldaquino de Bernini y la estatua de la Piedad de Miguel Ánge.
Caballerizas
de la Villa Farnesina, Roma (1512 - 1514)
La villa es un perfecto ejemplo de las
primeras obras renacentistas. Se compone de un bloque central del que arrancan
dos alas menores a ambos lados, formando así una especie de U. Las fachadas son
de color anaranjado, sencillo y armonioso. En la fachada
delantera se encuentra la logia de Cupido y Psique que da acceso al palacete
que fue decorado por el mismísimo Rafael.
En el bello jardín de la villa se
celebraban importantes fiestas con príncipes, poetas, artistas e incluso Papas.
Cuenta la leyenda que el derroche de lujo y ostentación era tal que durante las
fiestas, las vajillas que eran de oro y plata, en vez de lavarlas y recogerlas,
eran tiradas al fondo del Tíber, el río romano que pasa a los pies de la villa.
La decoración se llevó a cabo entre 1510
y 1519. Destacan sin duda los frescos que se extienden por fachadas y muros. El
mismo Peruzzi realizó algunos de ellos. Otros artistas que participaron fueron
Sebastiano del Piombo, Rafael y los discípulos del último.
Los frescos ilustran los mitos clásicos
y destacan los del vestíbulo principal, llamado Sala de Galatea por mostrar a
esta ninfa en una de las obras más célebres de Rafael. Esta sala se completa
con las pinturas de astrología de la bóveda que muestran la posición de las
estrella en el momento del nacimiento de su primer propietario Chigi. Otra de
las estancias más bellas de la villa es el Salone delle prospettive, decorado
por Peruzzi y que en los laterales creó una ilusión óptica que nos hace creer
estar viendo Roma, tal y como era en el siglo XVI a través de unas columnas de
mármol. En el dormitorio principal, los frescos de il Sodoma ilustran los
desposorios de Alejandro y Rosana, y cómo ésta es atendida por querubines.
DONATELLO:
“DAVID”
Es una escultura de bronce
realizada por Donato di Niccolo di Betto Bardi (Donatello), esta escultura mide
158 cm, fue hecha por Donatello a pedido de la familia Medicis en la ciudad de
Florencia. Aunque se trata de un tema bíblico,
en este adolescente frágil y audaz reconocemos inmediatamente a un héroe de la
antigüedad clásica.
David representa a
un adolescente que después de haber derrotado a Goliat, le ha cortado la cabeza
con su espada, pisa la cabeza y sostiene en sus manos la espada de Goliat y la
honda cn que lo dejo inconciente. Podemos observar también que David presenta
un rostro sereno y firme mientras que Goliat tiene un rostro de desanimo
El tratamiento general es sobrio, hasta podría
decirse que difuminado (sfumatto); no obstante, la sencillez del desnudo se
rompe con el calzado de David y el abigarrado adorno del yelmo de Goliat,
trabajados al detalle con relieves historiados y adornos vegetales típicos del
primer Renacimiento (llamados «in candelieri»). Además, David aparece
graciosamente tocado con sombrero de paja típico de la
bíblico (tomado del Primer libro de Samuel) como un desnudo clásico. De hecho, es el primer
desnudo integral, de bulto redondo, que aparece en la escultura
renacentista. Se trata de un
desnudo ponderado, natural, pero muy expresivo debido a la firmeza de las
líneas compositivas generales. Tiene, como hemos comentado antes, claras
reminiscencias de la escultura clásica,
especialmente de Praxíteles: el marcado y suave contrapposto parece inspirado
en la conocida curva praxiteliana que Donatello debió conocer a través de
copias romanas del citado escultor griego.
OBRA: Cantoría
Esta escultura hecha por Donatello en el año 1433
mide 348 x 570 cm. actualmente se encuentra en el museo Museo “dell´Opera del Duomo” de Florencia. La comparación con la otra cantoría realizada por Lucca della Robbia pone de manifiesto cómo
simultáneamente en Florencia se están desarrollando dos formas completamente
distintas de entender el clasicismo. En Donatello predomina un equilibrio compositivo
marcado por las columnas que contrasta con la tensión y movimiento que
desarrollan las figuras. Donatello demuestra en esta obra que el clasicismo no
es un lenguaje sometido a la norma, sino creador de sus propias leyes en cada
momento y circunstancia
ALBERTO DURERO:
MELANCOLIA
En esta obra podemos observar que Alberto Durero destaca en
primer lugar a la figura femenina con alas, haciéndole parecer un ángel.
Podemos describir la imagen como una mejer que esta apoyando su cabeza, tiene
una corona de hierbas, con una mano esta sosteniendo el compas y su rostro
aparece en sombra. Junto a esta mujer podemos ver que se encuentra un niño
apoyado sobre una piedra de molino y pintado sobre una pizarra. Además observaos
claramente que junto al niño se encuentra un poliedro que llama mucho la
atención y que oculta un crisol encendido, así como una escalera de siete
peldaños que asciende hacia una torre sin final, junto a esa enorme escalera se
encuentra una cometa además de un murciélago sosteniendo un cartel que lleva el
nombre de la obra “ Melancolía” , en la parte superior de la imagen hay una
balanza, un reloj de arena, una campanilla y un cuadrado mágico en el que la
suma de sus celdas da 34, y por ultimo en la parte inferior de la imagen vemos
un perro dormido, una esfera, unos clavos, una sierra y una regla.
Lo interesante de Alberto Durero es que en esta obra “
melancolía” reivindico su actitud ya que era un hombre de carácter parcialmente
negativo, mostrando asi a la melancolía como genialidad y creatividad del
artista.
Dama de
luto.
Esta es una obra
realizada en el año de 1570, se utilizo el oleo sobre el lienzo y tiene un
estilo del renacimiento italiano. En todos los retratos de Tintoretto abundan
los masculinos, especialmente hombres que se apoderaban del poder de la
republica de Venecia como el caballero Barbado o el hombre de la cadena de oro.
Tintoretto destaca en
las figuras femeninas la belleza y la gracia, como podemos ver en la pintura de
la dama de luto. En esta pintura podemos observar que la mirada de la dama se
dirige hacia un lateral, con su brazo izquierdo apoyado en un pedestal; sus
vestidos negros se ven confundidos con el fondo neutro.
Este autor trata de
resaltar el rostro de la dama ya que esta iluminado por un potente foco de luz
que resalta la belleza de la mujer, y por último podemos ver que la
transparencia del escote enmarca la cabeza de ella en la pintura.
Moises hace manar agua de
la roca
Obra realizada en el
año 1577, esta pintura mide 550 x 520 cm y esta hecha con oleo sobre el
lienzo.En el techo de la sala superior de la veneciana Scuola Grande di San
Rocco encontramos esta escena bíblica que acompaña a la Erección de la
serpiente de bronce, aludiendo al deber de los cofrades de saciar la sed de los
pobres. La figura de Moisés se emplea como premonición de Cristo; el agua que
mana de la roca simboliza la sangre que brotará del costado de Jesús tras la
Crucifixión. Junto al profeta está Dios Padre, sobre una nube tormentosa. En la
zona baja de la composición se hallan los israelitas que esperan el agua
milagrosa para aliviar su sed durante la travesía del desierto, destacando la
madre que sostiene a su hijo en el regazo. Las figuras están muy escorzadas,
interesándose por las torsiones contempladas desde abajo -según el artista
copiaba en un teatrillo que construyó al efecto y al que aplicaba luces de
antorcha- para crear una sensación de mayor dinamismo, anticipando al Barroco, mientras que Moisés se mantiene
firme, inspirada la figura de Miguel Ángel. La verdadera protagonista de la
escena es la luz, que crea un soberbio ritmo a través de los claroscuros para
organizar un movimiento rotatorio de resultado espectacular. A esto debemos
añadir la sensación atmosférica, esencial en una obra donde la luz y el color
constituyen los elementos dominadores del conjunto, en la doctrina de la Escuela veneciana.
Tintoretto es el
sobrenombre que ha hecho famoso a Jacopo Robusti, uno de los mas grandes
maestros de pintura
Este pintor se
destaca por su sencillez ya que no cobraba nada por realizar su trabajo sino
que solamente pedía para sus materiales de trabajo y algo para poder
mantenerse; lo cual atrajo a importante clientela, Tintoretto también
esta actitud atrae a
una importante clientela que levanta los recelos del gran Tiziano. Tintoretto
se convierte en el pintor de los escorzos y de las diagonales: la violencia de
sus obras es tan personal que hace que sean identificadas de manera fácil. Se
puede decir que es el Rubens veneciano. Su fama aumentó en
proporción a los encargos, lo que le obligó a abrir un importante taller en el
que trabajaban sus hijos Domenico y Marco, y su hija Marietta, más conocida
como la Tintoretta. El Palacio Ducal y las grandes Scuolas son sus principales
clientes, destacando la decoración realizada para la Scuola Grande di San
Rocco, en la que se puede apreciar al mejor Tintoretto. Casado con Faustina
Episcopi desde 1550, su vida se desarrolla entre su casa y su estudio, ambos en
el mismo edificio, la Fondamenta dei Mori. El 31 de mayo de 1594 fallecía
Jacopo Robusti, el Tintoretto, en la Venecia que le vio nacer y triunfar.
TIZIANO
AMOR SACRO Y AMOR PROFANO
Amor sacro y amor profano (Amor sacro e amor profano, en
italiano) también llamado Venus y la doncella, es un lienzo al óleo de Tiziano,
pintado alrededor de 1515.
La
tela recoge una escena con tres figuras: dos mujeres y un niño alrededor de una
fuente de piedra ricamente decorada, situados en un paisaje iluminado por una
puesta de sol. Las mujeres, de belleza renacentista, son de similares
características, habiéndose pensado en
ocasiones que se
trata de la misma persona.
Representa
una escena con una doncella vestida lujosamente (probablemente de novia)
sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles
sugieren que la mujer es posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con
una corona de mirto (planta sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus
hombros, las rosas en su mano derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad).2
La figura vestida sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que
simboliza la efímera felicidad de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una
lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza la felicidad eterna del
Cielo. Es una escena alegórica influida por la concepción neoplatónica
renacentista, típica de Marsilio Ficino, según la cual la belleza terrenal es
un reflejo de la belleza celestial y su contemplación es un preludio de su
consecución ultraterrena.
En
1895, el crítico Wickloff indicó que Amor sacro y amor profano está inspirado
en la Argonáutica de Valerio Flaco y plasma la escena en la que Venus persuade
a Medea. Gerseffeld, por su parte, opinó que podría tratarse de un retrato de
Violante, la hija de Palma el Viejo y amante de Tiziano, caracterizada como la
diosa romana.
ISABEL DE PORTUGAL
La
retratada es Isabel de Portugal, esposa de Carlos I de España e hija del rey
Manuel I de Portugal. El retrato sigue un esquema clásico ya utilizado por
Rafael o Leonardo da Vinci, en el que la modelo se sitúa sentada, abriéndose
junto a ella un ventanal en el que se adivina un paisaje. El paisaje dota de
profundidad a la composición, además de servir como contraste cromático con la
figura de la emperatriz, pues predominan en él tonos verdosos y azulados,
mientras que la escena interior está dominada por tonos cálidos. La figura de
Isabel muestra cierta rigidez, relacionada quizá con el concepto de majestad
tan utilizado en la iconografía imperial.
La
figura viste un riquísimo vestido rojo y dorado, con adornos de brocado y
pedrería. Se adorna, además, con llamativas joyas, como un collar de perlas con
un broche al pecho con piedras preciosas del que cuelga otra perla en forma de
lágrima, una sortija en la mano derecha, o un joyel rematando su tocado, un
rígido peinado muy de moda en la época compuesto por trenzas. La emperatriz
sostiene un libro abierto en su mano izquierda, quizá un misal o libro de
oraciones, y mira a un punto lejano con expresión ensimismada.
PALA PESARO
Pala Pesaro es un cuadro del pintor renacentista italiano Tiziano.
Fue realizada entre 1519 y 1526. Se trata de un óleo sobre madera de gran
tamaño, pues alcanza los 4,78 metros de alto y 2,68 m. de ancho. Se encuentra
en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia.
En el cuadro se ve a Jacopo Pesaro (en la esquina inferior
derecha), quién encargó el cuadro, y a algunos miembros de su familia siendo
presentados a la Virgen, que se encuentra sentada en un trono con el niño
Jesús. La Virgen queda a la derecha, sobre la diagonal. En el centro se
encuentra san Pedro, viéndose igualmente a los santos Francisco y Antonio. Los
santos están representados sin ninguna jerarquía, de manera muy natural.
También hay otros personajes menos importantes.
La escena se presenta en un gran edificio, lo que impide ver
el paisaje de fondo claramente. Dos grandes columnas le dan estructura vertical
a la obra. La disposición de las figuras y de sus miradas hace que no haya
equilibrio ni simetría.
El uso del color en esta obra nos muestra claramente la
teoría del color y de perspectiva; al frente, colores oscuros, mucho detalle y
personajes principales. Al fondo, colores más claros y figuras sin tanto
detalle. El uso de luz y sombra (claroscuro), también da una sensación de
profundidad. Ayuda a esta sensación el uso del sombreado en los adornos de las
columnas, así como la brillantez resaltante de algunas telas y del estandarte.
En la bandera, la insignia de los Pesaro y de la familia Borgia. Se consigue un
gran realismo.
El espacio es complejo, como sugieren las amplias columnas
(entre las cuales, dos ángeles alzan una cruz sobre una nubecilla), y los
diversos planos, las imágenes de los comitentes. La forma en que están pintados
las escaleras y columnas, y el resto del edificio, muestra el uso de la
perspectiva isométrica.
